איך יוצרי סרטים עוזרים לצופים לאהוב את סרטיהם

לרוב, כאשר דנים בקולנוע, אנשים מדברים על העלילה ועל המשחק. כמובן שמדובר במרכיבים חשובים בכל סרט. אבל כך קורה שאי אפשר להסיר את העיניים מתמונה, אם כי הפעולה מתפתחת לאט מאוד, וסיפור אחר משעמם במהירות, למרות האירועים הרבים. מחברים מסוימים מצליחים לגרום לצופה להאמין בפניות הפנטסטיות ביותר, בעוד שאחרים עושים אפילו מצבים אמיתיים כמו צעצועים. וזה פשוט נחמד לצפות בכמה קלטות, בעוד שאחרות קשות.

העניין הוא שבנוסף לעלילה ולשחקנים יש הרבה טריקים טכניים מעניינים בעזרתם במאים עוזרים לצופה להרגיש את הפעולה וליהנות ממה שקורה על המסך. אולי אפילו לא מבחינים בדקויות אלה, אך הם עדיין משפיעים מאוד על תפיסת התמונה.

ספקטרום צבעים

הדבר הראשון שיש לשים לב אליו הוא שהצבעים בסרטים לרוב אינם זהים לזה שבחיים האמיתיים. זה יכול להיות די ברור (למשל, אם התמונה בשחור-לבן), או שאתה לא מבין אותה מיד. אבל זה לא מקרי.

ליצור אווירה

בעזרת צבעים תוכלו להעביר טוב יותר את אווירת הנעשה, ליצור אווירה לצופה ואף להראות את רגשות הדמויות עצמן.

לדוגמה, קח את הזיכיון הפופולרי "אקס מן». בסדרת הסרטים הראשית התמונה הבהירה והעשירה דומה לקומיקס. ולעומתם אצל נואר "לוגן", שם הם מדברים על זקנתו ועייפותו של הגיבור, נבחרים גוונים חיוורים יותר.

בסרט "מקס הזועם: דרך הזעם" עיקר הפעולה מתרחש באזור מדברי לוהט. זה הגיוני שהתמונה צולמה בגוונים צהובים-כתומים, שגורמים לך להרגיש את השמש הקופחת והיובש.

לשם הבהרה, אתה יכול לקחת מסגרת ולשנות את ערכת הצבעים. מיד נראה שזה נהיה קר יותר.

כדי ליצור תמונה מנוגדת, שוברי הקופות המודרניים ובאופן כללי קולנוע המוני עשויים יותר כחולים וכתומים.

והנה המפורסם ווס אנדרסון אוהבת לוח צבעים ורדרד רך. זה נותן לצופה את התחושה של סרט רומנטי ישן. וכל מה שקורה נתפס בצורה רגועה וקלה יותר.

כאשר הם רוצים ליצור אווירה של עתיד ופנטזיה, הם גם הופכים לרוב לכחול. והם במיוחד אוהבים צבעי ניאון, המחוברים היטב בראש הצופה עם סייבר-פאנק וטכנולוגיה.

מיותר לציין שהמחברים סרטי אימה מעדיפים צבעים כהים. יש לכך כמה סיבות. כמובן שזו חלקית דרך לשאוב את האווירה. אנשים רבים כבר מפחדים מהחושך, ובסרטי אימה מסתתרות בו גם מפלצות.

בנוסף, תמונה כהה מאפשרת להסתיר מעט פגמים בגרפיקה או באיפור ולחסוך בייצור. נכון, יש בכך סכנה: אם אתה מחשיך את המסגרת יותר מדי, ייתכן שהצופה פשוט לא יראה את המתרחש על המסך, במיוחד בקולנוע גרוע או בטלוויזיה ישנה. לדוגמא, זה היה המקרה בסרט סלנדרמן משנת 2018.

אם כי כמה במאים מקוריים יכולים לנגן בניגוד. לדוגמא, ארי אסטייר בסרט “מִפנֶה הַשֶׁמֶשׁ”הראה את האווירה האופיינית לסרט אימה: הגיבורים מוצאים את עצמם בכפר מבודד, שם קורים דברים איומים.

אך יחד עם זאת, התמונה בהירה מאוד, אין בה כמעט סצנות חשוכות, ובגדי הגיבורים לבנים כשלג. וזה הופך את זה ליותר נורא, כי אין איפה להסתיר מהאימה.

הפרדת חלקי חלקה

סרט אחד יכול להכיל כמה מסנני צבע שונים. הם משמשים להפרדת סיפורי סיפור בצורה ברורה יותר. ועם הכישרון הנכון, גישה זו עוזרת להבהיר את התמונה.

דוגמה מצוינת היא "מַטרִיצָה». הלוגו של הקלטת הזו נוצר עם סמלי קוד ירוק, המציין את התוכנית בה אנשים חיים. לכן כל מה שקורה בעולם הווירטואלי צולם באמצעות פילטר ירקרק. ואירועים אמיתיים מוצגים בכחול.

ורק בסוף החלק השלישי, כאשר אנשים ומכונות התקשרו בהסכם שלום, מופיעים באותו הזמן מסגרת צבעים כחולה וירוקה טהורה.

בסרט כריסטופר נולאן דמויות "מתחילות" עוברות מהעולם האמיתי לחלום, ואז לחלום בחלום וכו '. על מנת להפריד באופן ברור יותר בין ה"שכבות ", בחר הבמאי את ערכת הצבעים שלו לכל אחת מהן.

ברמת השינה הראשונה הכל מצולם בפלטה כחולה, השנייה צהובה, השלישית לבנה. ורק בחלום האחרון כל הגוונים מתאחדים שוב, כמו בעולם האמיתי.

בלייד ראנר 2049 דניס וילנב צבעים שונים שיקפו את המיקום והמצב הפנימי של הגיבור.

הכל מתחיל בדמותו של ריאן גוסלינג הנודדת בערפל, ואז הוא עובר דרך מדבר כתום לוהט, עתידנות ניאון ושיטפון לילי. והסיפור מסתיים על רקע לבן כשלג, ומשקף רוגע וטיהור.

סירוב צבע

פעם כל הסרטים היו שחור ולבן. פשוט כי הם לא ידעו לצלם אחרת ואפשר היה לצבוע את המסגרות רק ביד. ואז הגיעו סרטי צבע והצילום הפך למציאותי הרבה יותר.

אך יחד עם זאת, צילום בשחור-לבן אינו לגמרי נחלת העבר. הם עדיין משמשים למטרות אמנותיות. למשל, לתחום עולמות או סיפורי סיפור שונים.

אז, בקוסם מארץ עוץ, 1939, צבע מופיע כשדולי נכנסת לעולם הפיות.

ב"סטוקר "מאת אנדריי טרקובסקי חסרים צבעים גם בחיים הרגילים של הגיבורים. וכשהדמויות נכנסות ל"אזור "המיסטי, העולם הופך לבהיר - כאן אנשים באמת חושפים את עצמם.

או שבכל זאת כריסטופר נולאן בקלטת "זכור" הראה חלק אחד של הפעולה בסדר הישיר, והשני - להיפך. לכן, מחצית מהסרט מצולם בצבע והשני בשחור-לבן.

בנוסף, תמונה בשחור לבן מאפשרת להדגיש פרטים בצורה ברורה יותר על ידי הוספת צבע אליהם. לראשונה, סרגיי אייזנשטיין עשה זאת על ידי צביעת ידנית של הדגל בספינת הקרב פוטמקין בשנת 1925.

בהמשך, נעשה שימוש בטכניקה זו בז'אנרים שונים לחלוטין. ב"רשימת שינדלר " סטיבן שפילברג הופעתה של ילדה במעיל אדום הופכת לאחד הרגעים הרגשניים ביותר.

וגם בסרט הקומיקס Sin City, משתמשים בגישה זו שוב ושוב, בדגש על שפתון אדום, עיניים בהירות או דם.

בניית מסגרת

חוק השלושות

אחד העקרונות הבסיסיים של הקולנוע ושל צילום. זה משהו כמו כלל פשוט של "יחס הזהב".

זה פשוט: בעת הצילום המסך מחולק לשלושה חלקים אנכית ואופקית. האלמנטים החשובים ביותר לעלילה צריכים להיות ממוקמים על הקווים האלה, כמו גם בצומת שלהם. זה יקל על הצופה להתמקד בנקודות הרצויות.

מניחים בריבוע

אם אתה מחלק את המסגרת לחצי או לארבעה חלקים שווים, אז אתה יכול לגרום לצופה להבין בלי מילים איזה מקום הדמות תופסת בסיפור.

טכניקה זו נראית בצורה הברורה ביותר בקלטת "דרייב" ניקולא מפותל רפנה. לדוגמא, אם הפנים של הדמות הראשית מוצגים בפינה השמאלית העליונה, ובמסגרת הבאה תו אחר מופיע באותו מקום, אז זה רמז לכך שהדמויות יהיו יריבות.

בנוסף, אותו Refn יכול לספר שני סיפורים במקביל: בחלקו העליון והתחתון של המסך, או בחצי שמאל וימין. הצופה אולי לא שם לב למהלך זה, אך עדיין תפיסת הדמויות תהיה שלמה יותר. בנוסף, זה פשוט יפה.

סִימֶטרִיָה

טכניקה פסיכולוגית ואסתטית נוספת בו זמנית. לעתים קרובות, תמונות שבהן המחצית השמאלית משקפת את החצי הימני נעשית רק בשביל היופי.

אבל לפעמים הם משדרים את ההתנגדות של הדמויות. ואם הגיבור מסתכל במראה, זה יראה את הצד האפל שלו או את ההבדל בין חלומות למציאות. בקיצור, כל אלגוריה שאפשר לחשוב עליה לצורך השתקפויות.

פינה הולנדית

כדי להראות את חוסר היציבות של העיקרי גיבור, ספקותיו לגבי משהו או בעיות זיכרון, משתמשים בטכניקה חזותית מאוד. "זווית הולנדית" פירושה שהמצלמה אינה מצלמת ישר, אלא מוטה. דוגמאות רבות לגישה זו ניתן למצוא בסרטים של דני בויל.

הצופה לא רגיל להסתכל על התמונה מזווית, ולכן הוא תופס טוב יותר את המצב הלא נוח של הדמות.

עם זאת, חשוב להקפיד על המדד כאן. למשל, הסרט האסון "Battlefield: Earth" צולם כולו בזווית. אבל בעוד שעה וחצי, ככל הנראה לצופה יהיה רק ​​צוואר כואב.

ירי מלמטה ומלמעלה

עוד אחת מהטכניקות הפשוטות אך היעילות המאפשרת לך להעביר את ההרגשה העצמית של הגיבורים. אז אתה יכול להראות, למשל, מי השולט בסיטואציה. ואז הקלטות מיד עולות בראש קוונטין טרנטינושם הדמויות מסתכלות מטה לתא המטען.

וירי מלמעלה גורם לך להרגיש שהגיבור מרגיש חוסר ביטחון. הנה כמה מצחיק שהם שיחקו את זה בסצנה המפורסמת מהסרט "על מה גברים מדברים", שם דמותו של קמיל לרין, כמו ילד, מתרצת את השוער במסעדה יקרה:

דיאלוג ותנועה

פעולה ברקע

טכניקה המשמשת לרוב בקומדיה או אימה. בחזית שום דבר מעניין לא קורה. וכל החשוב ביותר נפרש על רקע, שניתן להחשיך או לטשטש.

לדוגמא, הדמות הראשית של הסרט "זומבי בשם שון"הולך לחנות. הכל מאוד שגרתי עבורו. וברקע יש אפוקליפסה אמיתית:

בהתאם לז'אנר ולמצגת, זה יכול ליצור אפקט או מתח מצחיק מאוד - לעתים קרובות הצרחות העיקריות מוסתרות בסרטי אימה.

שיחות בתנועה

סוג הדיאלוג הנפוץ ביותר בסרטים הוא שדמויות יושבות ומפטפטות. במקרה זה המצלמה עוברת באופן מסורתי בין פנים.

אבל אם הסצינה ארוכה מדי, אז צוֹפֶה נמאס מהחזרה המתמדת של אותן זוויות. לכן, במאים טובים משלימים או משנים את ההגדרה של סצינות כאלה.

אז, בסרטיו של קוונטין טרנטינו, הדמויות מדברות כמעט כל הזמן. אבל המאסטר לא נותן לך להשתעמם, כי דיאלוגים יכולים להתקיים תוך כדי נהיגה. בגלל שינוי הרקע המתמיד, הפעולה לא נראית מונוטונית.

וגם אם הדמויות באותו חדר, המצלמה לא רק עוברת. היא יכולה לנוע סביבם, ליצור אפקט של נוכחות ואפילו השתתפות בשיחה. כמעט את כל הדמויות ניתן לראות ללא עריכה מיותרת.

ניקולס מתפתל רפן מצליח להשתמש במשחק שהוזכר כבר עם צבע והשתקפות בשיחה פשוטה. ב- Drive נראה שהדיאלוג הראשון של הגיבורים נראה פשוט מאוד.

אבל באותו זמן הדמות ראיין גוסלינג נמצא תמיד על רקע כחול (ערכת צבעים זו מלווה אותו לאורך כל הסרט). והגיבורה קארי מוליגן עומדת על הקירות הכתומים. וזה מראה שמשהו מפריד ביניהם, למרות שהם קרובים.

כלל 180 מעלות

יש עוד נקודה חשובה אחת במהלך הצילומים. אם תזיז את המצלמה יותר מ -180 מעלות בעת שינוי הזווית, הצופה יתבלבל. לדוגמא, כשהגיבור רץ, נראה שהוא הסתובב ונע בכיוון ההפוך.

וזה חשוב באותה מידה גם במהלך דיאלוגים. כדי לא ליצור את הרושם שכולם במסגרת עברו בפתאומיות, המפעיל והבמאי בוחרים בשורה מסוימת שמעליה המצלמה לא צריכה ללכת.

מוזר שניתן להשתמש בהפרה מכוונת של כלל זה רק כדי לבלבל את הצופה, כדי להראות את הבלבול של הגיבור. ועם הדמיון הראוי, המחברים יוצרים סצנות יוצאות דופן יותר. למשל שיחה גולום עם עצמי. הדמות פשוט מוצגת מצדדים שונים, אך זה יוצר את האפקט שיש שני דוברים והם נמצאים בדיאלוג.

תכונות התקנה

העריכה מאפשרת לך להפוך את פעולת הסרט לדינמית יותר, "לדלג" על רגעי החיים המשעממים ומאפשרת לך להסתכל על המתרחש מנקודות מבט שונות. הצורה הפשוטה ביותר שלה היא נרטיבית. כלומר, האירועים במסגרת מתרחשים בזה אחר זה. זה הובהר בצורה הברורה ביותר ב"האיש משדרת קפוצ'ינס ".

אבל אתה יכול להציג את אירועי הסרט בצורה אחרת, ולשם כך משתמשים בטכניקות שונות.

התקנה מקבילה

בניגוד לסיפור רציף, לפעמים המחברים רוצים שהקהל יראה את המתרחש במקביל במקומות שונים. ואז דירקטורים התייחס לחיווט מקביל.

זה הופך את העלילה לאירועית יותר. אך יש צורך בזהירות. אחרי הכל, אם תציג בתורו את הסצנות המתרחשות בו זמנית, אתה עלול להתרשם שכל אחת מהן נמשכת זמן רב יותר.

דוגמה בולטת לעריכה מקבילה לא מוצלחת היא "Furious-6". הגיבורים מנסים להימלט במטוס שנוסע לאורך המסלול, מכוניות רודפות אחריהם, וריב מתרחש בתוך האונייה.

המחברים מדגימים כל כך הרבה אירועים בבת אחת כי על המסך נראה כי המטוס מאיץ במשך 15 דקות לפחות. מיותר לציין שזה הורג את כל הריאליזם שבמצב?

כריסטופר נולאן, לעומת זאת, נחשב נרחב כאלוף בעריכה מקבילה. הבמאי משתמש בה ברבות מיצירותיו, אך הדוגמה הטובה ביותר היא Inception. אירועים ברמות שינה שונות מתרחשים בו זמנית, ובקצב שונה (בשינה עמוקה יותר הזמן נע לאט יותר).

כאן מתווספת לאקשן הפרדת הצבעים שהוזכרה כבר והצופה לא מתבלבל בנעשה אלא מבין את כל גלובליות האירועים.

אגב, מעניין שבסרט "דנקירק" נולאן שנון עוד יותר עם הטכניקה הזו. זה מראה במקביל את האירועים המתרחשים ביבשה, במים ובאוויר. למעשה, הכרונולוגיה שונה לחלוטין, והכל מתכנס רק בגמר.

פלאשבקים ופלאש פורוורדים

לפעמים מחברים מטמיעים את זיכרונותיהם מהעבר - פלאשבקים - בסיפור הליניארי של הדמויות. אלה יכולים להיות הבזקים קצרים מאוד של כמה שניות או עלילות שלמות.

חובב גדול של רגעים כאלה - ז'אן מארק וואלה. לפיכך, הוא מוסיף מתח לסצינות הרגועות לכאורה. או שהוא מבהיר שהדמות מרמה מישהו: הוא אומר דבר אחד, אבל משהו אחר לגמרי מופיע בזיכרונותיו.

לא קשה לנחש ש Flashforwards הם אותם סיפורים, אלא מהעתיד. הם משמשים בתדירות נמוכה יותר, בדרך כלל במדע בדיוני או בסיפורים מיסטיים. על טכניקה כזו, הם אפילו בנו סדרה שלמה, שבה, במהלך ליקוי חמה מסוים, כל אדם ראה איזה רגע משלו העתיד.

ובהמשך העלילה, כולם מנסים לברר את הסיבות למה שקרה ולהבין את המשמעות של חזונותיהם. הסדרה נקראה כך: פלאשפורוורד (בתרגום לרוסית - "זכרו מה יקרה"). נכון, הוא החזיק מעמד רק עונה אחת.

קפיצה

טכניקה זו כבר חלה על עריכה לינארית. זה אומר מעבר חד בין זריקות. הם משתמשים בו למטרות אחרות לגמרי.

בחנות הזוועות הקטנה של פרנק עוז, מונטאז 'כזה עוזר להראות את חלוף הזמן הארוך והמשעמם.

אבל לארס פון טרייר, שמשתמש לעתים קרובות בקפיצה בעבודותיו, מעביר בדרך זו את הלחץ הרגשי ואת חוסר היציבות הפסיכולוגית של הדמויות. צילום כזה הופך את התמונה ל"עצבנית "יותר. בקלטת "אידיוטים" זה מאוד מתאים:

עריכה בצורה ובסאונד

על מנת שהאירועים השונים המוצגים בסרט יתפסו כהמשך זה לזה, המחברים משתמשים לרוב בצירופי מקרים חזותיים. כלומר, קווי המתאר של אובייקט כלשהו במסגרת אחת חוזרים על עצמם במסגרת הבאה. ולפעמים זה יכול להראות שנון מאוד.

באותו אופן, תוכלו "לחבר" את הצופה בסאונד. הצרחה ממשיכה את שריקת האדים, והרעש התעשייתי מוחלף מוּסִיקָה אותו קצב. או שרק הצינור הפגום הופך לפצפוץ של בשר צלייה.

בנוסף, הצליל עשוי להיות מעט לפני או מאחורי מה שמוצג על המסך. זה נעשה כדי להפוך את הסצנות למקושרות יותר. כלומר, הצופה עדיין שומע דיבורים ורשרושים מהמסגרת הקודמת, אך הפעולה כבר השתנתה. או להפך.

חוסר התקנה

זהו מהלך נועז: במאים מצלמים סצנות ארוכות ללא עריכה כלל, או מסתירים זאת בדרכים שונות.

זה הופך את המתרחש על המסך ליותר מציאותי, נותן לצופה תחושה של קצב הסיפור עצמו. אך, כמובן, גישה זו דורשת הרבה יותר חזרות והשקעה. ואכן, במהלך העיבוד תוכלו לחתוך דברים קטנים שלא מצליחים.

אז, ג'ו רייט בסרט "כפרה" הראה סצנה של חמש דקות עם פינוי כוחות מדנקירק במהלך מלחמת העולם השניה. הקהל היה מעורב ב -1,300 איש, כאשר ציוד נע בתוך המסגרת וברקע התרחשו פיצוצים. הגישה הזו היא שמעבירה את כל האפלוליות והכאוס של מה שקורה.

טכנולוגיות מודרניות מאפשרות להתמודד בצורה מדויקת יותר עם ההתקנה. וזה עזר לאלחנדרו גונזלס אנארריט לירות בירדמן. בה אתה אפילו לא שם לב מיד שכל הפעולה מוצגת במסגרת רציפה אחת.

למעשה, המונטאז 'שם, אך נסתר. דבק מיוצר כאשר המצלמה עוברת דרך אלמנט כהה כלשהו.

ו"ארון הקודש הרוסי "מאת אלכסנדר סוקורוב נראה חזק עוד יותר. הפעולה מתרחשת בהרמיטאז ', והבמאי קיבל יום אחד לצילומים. לכן הוא החליט לצלם את התמונה מבלי להדביק.

זה לקח שבעה חודשים של חזרות עם 800 תוספות. כתוצאה מכך, מהצילום השלישי הם צילמו סרט שלם באורך של שעה ו -27 דקות.

---

למעשה, יש הרבה יותר דקויות כאלה. אך רבים מהם כבר דורשים ידע עמוק בבימוי ובצילום. אלה רק דוגמאות פשוטות שניתן לראות בסרטים רבים. וכשאתה מסתכל על התמונה הבאה, בוודאי תדהים מ"פינה הולנדית "או מסגרת ארוכה ללא עריכה. אבל זה לא ישבור את הקסם צילוםלהפך, זה יהפוך את הצפייה למעניינת עוד יותר.